시적추상으로서 오르피즘에 나타나는 ‘레인보우’ 연구:들로네와 본인 작품의 비교연구

Abstract

시적추상으로서 오르피즘에 나타나는 ‘레인보우’ 연구 (들로네와 본인작품의 비교연구)

시리즈 작업은 ‘존재하지 않는 것을 존재한다고 믿는 의식의 세계’를 발상으로 시작했다. 그래서 시적추상으로서 오르피즘에 나타난 리듬감 있는 동선으로 구성한 작품들을 로베르 들로네와 비교하여 분석했다. 로베르 들로네는 프리즘 색채를 신성함과 숭고함의 이미지로 여겼으며, 색이 가지고 있는 파장을 동선으로 표현했다. 로베르 들로네의 작품과 동시성 연구는 2008년 시리즈 작업의 시대적인 위치와 순수회화의 본질을 인식하는데 중요한 모델이 됐다. 오르피즘은 입체파의 형식에서 좀 더 새로운 시도를 적용시킴으로써 훨씬 풍부하고 융통성 있는 화면 구성을 이룩했다. 또, 모든 것으로부터 자유로운 색채 표현을 순수회화의 방법으로 창조했다. 로베르 들로네는 1912년 여름에 ‘빛’에 대한 논문을 위해 써 놓은 메모에서 시각적 감각 없이는 빛도 움직임도 없다. 자연 속의 빛은 색채의 움직임을 만들어낸다고 선언 했다. 그리고 자유로운 색채의 작업들은 ‘리드미컬한 동시성’으로 표현 되었다. 또한 광선의 움직임과 함께 모든 살아있는 사물을 결합시킨 기본적인 구조로 원형 형태를 발견하였고, 색채를 통한 순수 조형 기법을 추구했다. 이 방법은 어떤 법칙들에 따라 작용하는 둘 혹은 그이상의 색채들을 눈으로 보고 동시적으로 지각하는 ‘색채의 동시적 대비’라는 기법으로 회화 작업을 하는 과정 중에 좋은 영감(靈感)을 주었다. 로베르 들로네의 회화 작품과 시리즈 작품의 유사한 점은 음의 파장을 색채와 선으로 리듬감 있게 표현한 점과 무지개 빛 색채를 신비적인 감흥으로 화면에 표현한 점이다. 또 전통적인 순수회화를 고집하는 것도 유사했다. 평면적인 캔버스나 종이 안에 그림을 그리는 방법이 미래에도 절대로 뒤처지거나 소멸되지 않는다는 희망적인 결론에 도달하기까지 로베르 들로네와 소니아 들로네의 작품 연구가 큰 도움이 되었다. 그들은 파리의 급성장한 도시화 즉, 현대성의 경험이 그 당시 화가들에게 새로운 예술과 창조에 대한 꿈을 부추겼고, 흥분과 함께 그것이 가져올 결과에 대한 불안감도 주었다. 그리고 오르피즘의 작품들은 입체파와 함께 현대성의 경험을 반영하는 동시에 현대성의 유혹에 대한 비판적인 저항을 담았고, 그 저항의 표현은 바로 회화의 순수성을 고수하면서 새로운 예술의 창조로 발전하였다. 앞으로의 작업 방향은 ‘동시성’을 창조하고 ‘빛’과 색채, 화면에서의 리듬감을 표현한 로베르 들로네처럼 같은 형식으로 이어서 작업 해 보는 것이다. 그리고, 관심의 대상을 상징할 수 있는 조형물이나 여러 이미지를 연구하여 캔버스 안에 등장시키고, 순수회화에 대한 집착을 발전 시켜서 현대회화에 기여하기를 바라는 마음이다.|ABSTRACT

A Comparative Study of Rainbow in Orphism as Poetic Abstraction -Centering on Comparison between Delaunay and His Works of Art-

by Jeong, Kang-Im Advisor : Prof. Choe, Young-Hoon Department of Fine Arts Graduate School of Chosun University

The series of was based on "the world of consciousness" that believes that what does not exist may exist. So, this study compares the works of art with rhythmical traffic lines in Orphism as poetic abstraction with those of Robert Delaunay. Robert Delaunay considered prism colors as images of sacredness and holiness and represented the waves of colors as traffic lines. His works of art and studies on synchronicity were valuable models in recognizing the historical position of his series in 2008 and nature of fine arts. Orphism has achieved abundant and flexible composition by applying a newer attempt from the style of cubism and representation of colors free from everything as a method of fine arts. Robert Delaunay declared that no light or movement occurs without visual senses, and the light in nature creates movement of colors in a memo for his paper on light in summer of 1912. And his works of art using free colors are represented in rhythmical synchronicity. And he considered a circular shape as a basic structure for which all the live things are connected with movements of light, and pursued a fine art technique through colors. This technique is a synchronized contrast of colors for which we see more than two colors that work according to certain principles and perceive them synchronically, which gave him good inspiration for his painting. Similar things between paintings by Robert Delaunay and the series of are as follows: the waves of sound are represented in rhythmical colors and lines, rainbow colors are mysteriously represented on canvass and they adhere to traditional painting techniques. Until a hopeful conclusion that painting on plain canvas or paper never falls behind or disappears, studies on the works of art by Robert Delaunay and Sonia Delaunay were very helpful. The urbanism of Paris, that is, experiences of modernism encouraged the artists at that time to have dreams of new art and creation and brought anxiety about the results from it. The artistic works of Orphism reflected both experiences of modernism and critical resistance against temptation of modernism. The representation of such resistance advanced into creation of new art while adhering to purity of painting. In the future, we are to pursue the same style as Robert Delaunay who created synchronicity and represented rhythm on canvass. And we should try to represent symbolic structures or diversified images on canvass and pursue further advance out of the adherence to pure painting for further development of contemporary painting.